Lady Magnesia

Es war eine kleine Sensation. Im Februar 2024 wurde in den Themenkonzerten – vorbereitend auf die Neuinszenierung von Mieczysław Weinbergs Oper Die Passagierin – eine andere, äußerst selten gespielte Oper dieses Komponisten aufgeführt: seine schwarze Komödie Lady Magnesia, pointiert in Szene gesetzt von Theresa Maria Schlichtherle in der Firmenzentrale von Brainlab. Die eigentlich als einmalige Vorstellung geplante Produktion fand beim Publikum so großen Anklang, dass sie nun weitere drei Mal auf dem Spielplan erscheint.

Mieczysław Weinberg schrieb in allen Genres und für alle Gattungen. Als Sohn eines Theatermusikers, der am Theater seine frühesten künstlerischen Eindrücke sammelte, war ihm auch die erzählende und darstellende Komponente der Musik vertraut. Unmengen von Chorwerken, Romanzen und Liedern beweisen seine Fähigkeit, nicht nur volkstümlich für Gesang zu schreiben. Interesse für Literatur bekundete er von Kindheit an. Dennoch wagte er sich erst als Endvierziger an die große Bühne. Innerhalb von zwanzig Jahren, 1968 bis 1986, entstanden sieben Opern und eine Operette, denen zwanzig Jahre zuvor noch zwei heitere Vorläufer vorausgegangen waren. Der Einakter Lady Magnesia entstand 1975 nach dem Melodram Passion, Poison and Petrification („Leidenschaft, Gift und Versteinerung“) von George Bernard Shaw. In seinem rabenschwarzen Humor ist es alles andere als ein typischer Weinberg, der in seinem Schaffen sonst die Frage nach Menschlichkeit in finsteren Zeiten thematisiert. Was der irische Autor als Satire auf das viktorianische Drama anlegte, nimmt Weinberg zum Rundumschlag gegen die ganze Gattung Oper. Triviale Gitarrenriffs charakterisieren den verblichenen Adelsglanz; Unheilsvisionen in Moll-Rezitativen mit Klavierbegleitung wechseln mit machohaften Jagdklängen der Posaune und Saxophongirlanden voll edlem Schmerz. Mit einem Jazz-Instrumentarium zieht Weinberg das hochherrschaftliche Personal auf den Boden trivialer Alltäglichkeit und zeichnet der Oper den Weg des Musicals vor.

Gedanken der Regisseurin zu ihrer Inszenierung

Theresa Maria Schlichtherle
Humor ohne Eigentümer: Die Rebellion der Worte in Lady Magnesia

Lady Magnesia von Mieczysław Weinberg, basierend auf George Bernard Shaws Farce Passion, Poison and Petrifaction, ist eine schwarze Komödie, die ernste Themen wie häusliche Gewalt und Konflikte zwischen Klassen und Geschlechtern aufgreift. Schwarze Komödien arbeiten oft mit schwerwiegenden Themen und nutzen Humor und Überzeichnung, um aufzuzeigen, wie tief diese Konflikte in gesellschaftlichen Strukturen verwurzelt sind. Eine feministische Praxis besteht darin, wie die Sprachwissenschaft lehrt, stets zu hinterfragen, wer hinter einer Erzählung steht – eine Frage, die über die Kontrolle der Erzählung hinaus die gesellschaftliche Ordnung und die Deutungshoheit betrifft. Die Bibel ist hier ein offensichtliches Beispiel: Als kuratiertes Werk, geschaffen durch mehrere Autor:innen und Redakteur:innen, zeigt sie, wie stark die Gestaltung eines Textes auch die Machtverhältnisse und Normen einer Gesellschaft prägen kann.

In der Inszenierung von Lady Magnesia wird die Autorschaft von Humor und ihre gesellschaftliche Wirkung auf den Prüfstand gestellt. Die Arbeit untersucht, wer Humor „besitzt“, wer ihn definieren darf und wie Machtstrukturen durch humoristische Autorschaft aufrechterhalten oder herausgefordert werden können. Humor erscheint dabei nicht nur als Quelle der Unterhaltung, sondern als Instrument, das soziale Normen in Frage stellt und die Grenzen von Identität und Macht verschiebt. In dieser Auseinandersetzung wird Humor zu einer politischen und kulturellen Kraft, deren Autorschaft sich niemand exklusiv aneignen kann. In dem Moment, in dem die Auseinandersetzung mit Autorschaft beginnt, scheint es nur logisch, auch selbst einen Text zu „schreiben“.

Die Reflexion der humoristischen Autorschaft findet in den folgenden Seiten eine weitergehende Anwendung, indem die Frage nach dem Ursprung und der Kontrolle über den Text bewusst problematisiert wird. Die Autorschaft wird als dynamischer, offener Prozess gestaltet, der sich der Kontrolle einer einzelnen, klar definierbaren Stimme entzieht. Die Autor:innen verwenden Techniken, die darauf abzielen, Autorschaft als kollektiven Akt zu begreifen, bei dem sowohl das Ensemble als auch das Publikum einen bedeutenden Einfluss auf die Sinnbildung des Textes haben. Durch den Einsatz von Zitaten, Fragmenten und kulturellen Referenzen wird der Text zu einem offenen Geflecht aus unterschiedlichen Stimmen und Perspektiven, das herkömmliche Vorstellungen eines „singulären Autors“ herausfordert.

Inspiriert von Jack Halberstams und José Esteban Muñoz’ Theorien, die feministische Praktiken der Collage als Akt des Widerstands und der Neuschöpfung beschreiben, greifen die Autor:innen auf die Methode der Collage und der Intermedialität zurück. Diese Methoden dienen nicht nur dazu, verschiedene Medien und Stilrichtungen zu vereinen, sondern auch dazu, das Konzept der „autonomen Autorschaft“ zu dekonstruieren. Die Collage ermöglicht es, disparate kulturelle und literarische Fragmente zu einem „autorenlosen“ Werk zusammenzuführen, in dem die Autorschaft fluide zwischen Text, Inszenierung und Interpretation wandert. Wie Halberstam in seinen Arbeiten über queere und feministische Ästhetiken beschreibt, eröffnet die Collage durch das Zusammensetzen scheinbar unzusammenhängender Elemente einen neuen Raum für Ausdrucksformen, die herkömmliche Hierarchien aufbrechen und neuen Stimmen Platz schaffen.

Ein weiteres Mittel, das die Autor:innen einsetzen, ist die bewusste Einbindung des Publikums in den kreativen Prozess. Wie in der surrealistischen und feministischen Collage wird das Publikum zum Co-Autor des Textes, indem es die fragmentierten Elemente aktiv interpretiert und ergänzt. Die Leser:innen werden ermutigt, eigene Assoziationen und Bedeutungen zu konstruieren und den Text somit weiterzuschreiben. Diese Form der „kollaborativen Autorschaft“ ist ebenso für die Inszenierung gedacht, bei der die Zuschauer:innen aufgerufen sind, die dargestellten Szenen aktiv zu deuten und sich selbst kreativ einzubringen. So fordert die offene Struktur des Texts die Leser:innen heraus, sich mit den präsentierten Themen und Widersprüchen auseinanderzusetzen und diese neu zu denken – eine Form der „kollaborativen Autorschaft“, in der jede Leserin und jeder Leser und jede Zuschauerin und jeder Zuschauer die eigene Perspektive und Fantasie einbringt.

Durch diese Strategien der „vielstimmigen Autorschaft“ schaffen die Autor:innen einen Text, der sich jeder finalen Interpretation entzieht. Indem er auf lineare Strukturen und eindeutige Aussagen verzichtet, bewirkt der Text eine Verschiebung der Autorität vom Schöpfer auf die Rezipient:innen. Dieser Ansatz öffnet einen Raum, in dem Bedeutungen nicht festgelegt, sondern stets neu verhandelt werden, und verlangt von den Leser:innen, selbst Verantwortung für die Bedeutung des Werkes zu übernehmen. Die Autor:innen treten bewusst in den Hintergrund und lassen den Text zu einem lebendigen, offenen Prozess werden. In dieser Weise thematisiert der Text die Macht und die Grenzen der Autorschaft, indem er die Frage stellt: Wem gehört der Text, und wer bestimmt seine Bedeutung? Es ist eine Aufforderung zur kritischen Selbstreflexion und ein kreativer Akt der Loslösung von traditionellen Strukturen der Autorschaft, bei dem der künstlerische Ausdruck zu einem gemeinsamen, fluiden Erlebnis wird.

An einem stürmischen Gewitterabend will Sir George Fitztollemache seine schlafende Gattin Lady Magnesia mit einem riesigen Dolch ins Jenseits befördern. Rasende Eifersucht treibt ihn an; sie betrügt ihn mit dem Hausdiener Adolphus. Der Dolch sei ein Geschenk an sie von seiner Mutter, beteuert er der erwachenden Lady. Die wundert sich: Wurde ihr nicht ein Fischmesser versprochen? Da tritt Adolphus auf den Plan und will ganz arglos seinen neuen Frack vorführen; allerdings versteht Adolphus bei Spott über seine Kleidung keinen Spaß. George bereitet Drinks für alle, in den für seinen Nebenbuhler mischt er Gift. Während Adolphus sich bald vor Schmerzen windet und Lady Magnesia in Aussicht stellt, in Zukunft wieder ihren Mann lieben zu wollen, möchten die beiden den Mord rückgängig machen. Nur Gips kann den Diener noch retten. Die Zofe Phyllis besorgt das Mittel in der nötigen Menge, wodurch Adolphus schließlich zur Statue versteinert, die wie segnend die Hände über das neu versöhnte Ehepaar ausbreitet.